作者/陈玥
*原文发布于2026年5月15日
出生于1992年的艺术家张移北近年来主要从事雕塑创作。此次展览中，她受委任创作的两件大型作品因承重原因移至室外展示：展馆外的《流水与雀鸟之声》如同一座“仿生树信号塔”，被设定为连接地面与卫星通信的“中转站”；另一件水池中的作品则由涡轮装置构成，灵感取自雕塑制作中切割、打磨所使用的工具，以工序性的视角回应雕塑创作本身。
展厅二层，张移北的作品较其以往创作体量更小，也更显轻盈。展场中散布着诸多细碎材料与元素：有些来自艺术家的日常生活，有些则是偶然拾得。她提到，自己曾专门前往垃圾场寻找材料；在她看来，垃圾场本身就是一处集散地，汇聚着不同人的生活残余与物件，其中既有真正的废弃物，也有误丢之物，呈现出一种由分散到集中、再重新聚合的状态。
张移北对材料的关注始于大学时期，彼时她更多从“单一材料”本身出发思考：塑料虽来自石油，却承载着复杂的物质属性与感知经验；芯片的基础是硅，而硅既可成为芯片，也可化作玻璃，甚至回到沙子的原初状态。在她看来，同一种元素在不同转化过程中会生成截然不同的形态与意义；而在材料选择、制作判断及展厅中的组合调整上，她始终依赖直觉与无意识的引导。
对于藏家而言，当代影像以及那些材料复杂的雕塑与装置，往往构成了不同于传统绘画的收藏对象。这类作品的价值体现于何处，又该如何理解与进入？
带着问题，我们借由此次UCCA陶美术馆新展，分别采访了艺术家周啸虎与张移北，从他们的创作角度出发，讨论绘画之外的艺术语言如何成立，并如何在相对小众的领域中逐步形成自身的收藏逻辑。
对话张移北
Q：在收藏市场中，相较于架上绘画，雕塑常被认为不那么易于流通。作为雕塑专业出身的艺术家，你如何看待这一问题？
A：我其实蛮喜欢画画的。但在我的感受里，绘画更多是把生活中的感受或逻辑思考转译到画面上，它是一种偏向视觉的呈现，这种视觉又会通过画面进一步转化为观看者的想象。
但雕塑它不只是视觉层面的，它还和身体发生关系。它可能还涉及声音、空间，甚至是人与空间之间的整体关系。它相对更复杂，也更多元。
当然，从收藏的角度来看，有一些大型作品，往往只能由机构或美术馆来收藏，很难进入个人空间，因为它需要比较大的空间来承载；也有一些较小的作品，是可以进入家庭空间的，它们反而更贴近日常，所以在这次展览里，我也有意识地制作了一些小型作品。
Q：在技术快速变化的今天，你在创作方法或表达策略上会感到焦虑吗？另外，相较于画廊体系中面向私人藏家的作品，这类创作在作品尺度、复杂度和媒介使用上有哪些明显差异？
A：在选择和学习的过程中，我其实没有太明显的困扰。但以前做展览前，会有很强的焦虑感。这种焦虑并不来自对作品或自己的怀疑，而更多来自“观众会如何观看”，以及面对同行审视时的压力。后来我慢慢意识到，这种焦虑其实并不真正来源于作品本身。当我确认这一点之后，它也被消解了一部分。现在当然还是会有，但已经不会对我产生太大影响。
关于收藏，我也听到过一些个人藏家的反馈。他们购买作品后，会因为雕塑进入家庭空间，而重新调整其他收藏，甚至改变整个空间的布局。这让我很意外，也很触动。
以前我对艺术与收藏体系之间的关系多少有些排斥，但后来发现，很多藏家其实非常认真地对待作品。我觉得不一样的藏家，其实是两种完全不同的关系。
机构藏家或者比较专业的藏家，往往是以团队的方式在工作，比如策展人、研究人员和委员会一起参与判断。他们会更深入地进入作品本身，从艺术史的脉络，或者更纯粹的艺术语言层面去讨论和分析作品。个人藏家则更多是从自己的生活经验出发，它是一种完全不同的观看和使用方式。这两种方式我觉得它们都成立，也都很重要。
Q：对于刚开始接触当代雕塑与装置的藏家而言，你认为在做出收藏决策时，最需要理解或关注的是什么？
A：材料会发生变化，比如大理石会随着不同光照产生变化，有时会呈现更接近石头本真的发白色，有时也会慢慢变黄——这都是它本身的自然变化。包括金属，其实变化更明显，它会因为空气中的潮气产生氧化，无论是生锈还是留下时间的痕迹，变化都是时间赋予作品的一部分。
作品被收藏后，大部分还是被陈列于室内环境中，那相对就比较稳定一些。当然，即使是室内，如果是金属材料，也还是会发生一些色泽或质感上的变化。我觉得很多时候，这种变化反而是藏家乐于看到的，因为它是时间的见证，是作品进入生活后，和他们一起经历的痕迹。
