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迈克尔·耐贾尔 @Arts @ Collins，墨尔本
个展“持续变化之态” 2024年3月1日 BANK欣然宣布艺术家迈克尔·耐贾尔于墨尔本个展“持续变化之态”（A Constant State of Transformation）正式于3月1日开幕，该展览为2024墨尔本摄影节的相关展览。 “持续变化之态”旨在关注人类、自然和变化之间的关系。该展览是2024墨尔本摄影节的一部分，其主题为 '谁能预见未来，谁就能塑造未来'。由澳大利亚墨尔本摄影博物馆主办。 迈克尔·耐贾尔（Michael Najjar）展示了他正在拍摄的“冷却地球”系列中的摄影和影像作品。在这个系列中，他探讨了气候变化对生态、经济和文化的深远影响，这些影响正在重新定义人与自然的关系。“冷却地球”跨足了从一个即将到来的反乌托邦未来——即便在当前已成为现实——到一个技术去碳化后的基于化石燃料的时代。 继续 -
张怡 @ 洛杉矶当代艺术博物馆，美国
群展“触月探物” 2024.02.10 - 2024.05.12 BANK欣然宣布张怡的视频作品《我们都是母亲》（2022）于洛杉矶当代艺术博物馆的《触月探物》展览中展出。这件作品拍摄了野生动物病理学家 Aleksija Neimanis 对江豚尸体的解刨。这一过程由张怡和女性生态主义学者Astrida Neimanis记录和观察，并作为他们的共同研究项目《Learning Endings》（2021–至今）其中的一个部分。 继续 -
张怡 @ 南加州大学亚太博物馆，美国
群展 “另一个美丽的国家” 2024.01.26 - 2024.04.07 张怡的作品《顺其自然 / 召唤》和《召唤清单》亮相南加州大学亚太博物馆的'另一个美丽的国度'展览。《顺其自然 / 召唤》分别拍摄了艺术家父亲的去世和儿子的出生，而《召唤清单》则是一张艺术家想要召唤的事物清单。 继续
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张怡 @ 特罗姆瑟国际电影节，挪威
展映 2024.01.15 张怡的作品《召唤消失的游移湖（第一/二部分）》亮相特罗瑟姆国际电影节，于特罗姆瑟当代艺术中心举行放映。 《游移湖》是一个关于哀悼、关怀、地缘政治的个人化叙事冥想。游移湖项目继续了艺术家对文化假象的探索，并重新使用身体来表演以及通过表演来体现对环境的探究上。作品用水来作为政治和诗学的媒介。 该项目受斯文·赫定的著作《游移湖》启发。在20世纪初，瑞典探险家斯文·赫定由中国政府委托寻找一个现代丝绸之路，即一条可穿越中国西部沙漠的驾路线。 同时，他记录了他的旅途，并发现和标记了游移湖的位置。游移湖曾神秘地从原来的位置消失，在被再次发现之前它曾被人们错误的标记位置，并导致了其神秘失踪。 继续 -
王芮 @inner flow Gallery，北京
群展“在派对中尖叫，如雨中之泪” 2023.12.31-2024.02.04 王芮作品亮相inner flow Gallery展览《在派对中尖叫，如雨中之泪》，她运用作品装点了一个具有梦幻色彩的场景。这场展览旨在探索人类情感与感知的丰富性，同时反思我们在人工智能等技术迅速发展的时代所经历的冷漠、沟通的徒劳和爱的无能。 继续 -
张移北 @西海美术馆，青岛
群展 第二届“TAG·新当代-离岸” 2023年12月24日 BANK欣然宣布艺术家张移北参与西海美术馆举办的“第二届TAG新当代：离岸”展览，此次艺术家呈现了《当春天来临时，第一道阳光属于我》、《花瓶》及《陈旧病变》 共 三组作品。 对 材料本身的探索和延伸体现在张移北的许多雕塑创作中。经由艺术家对破坏和改造，这些材料和现成品原本的功能属性被悬置 ，重塑、组合。作品《当春天来临时，第一道阳 光属于我》借用了普契尼的歌剧《艺术家生涯》中名为“咪咪”的角色的一段台词。三条被子提示着舒服、敞开的心理状态，正如歌剧中破陋阁楼 的住客们对生活依然充满希望。 《花瓶》初次 亮 相于2019年张移北在BANK的个展， 她通过“凿孔 ”这一行为将各种物体转化 为了“花瓶”。 作品 《陈旧病变》中， 被夸张形变的三个 高压锅上刻 着病理名词“钙化灶”，与附着其上的陶瓷小物件形成力量比照，内化的压力与外部的脆弱，映射着艺术家 想表达的心理状态。... 继续
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郑庆和 @Fleiss-Vallois 画廊, 美国纽约
群展“我清楚地记得你在切尔西酒店……” 2023年12月1日 BANK欣然宣布，在巴塞尔艺博会迈阿密海滩同期，艺术家郑庆和的作品亮相纽约Fleiss-Vallois 画廊展览《我清楚地记得你在切尔西酒店……》，与罗伯特﹒莫里斯、布鲁斯﹒瑙曼、罗伯特﹒劳森伯格、妮基﹒圣法勒、安迪﹒沃霍尔等艺术家共同展出。 郑庆和于该展览展出的画作《纽约切尔西酒店瀑布》（Waterfall, Chelsea Hotel, New York，1978）从他前期具有象征意味的创作转移开来，展现了家中浴室的私密景象。水在这里具有一种更为隐晦的双重性，一方面它被描绘成生命的必需品，另一方面它又能通过冲刷将其消磨殆尽。 切尔西酒店这座标志性的地标建筑拥有一座充满艺术与工艺品的宝库，有些作品已经在这座古怪建筑的墙壁上悬挂了几十年。1880年中期，菲利普﹒休伯特（Philip Hubert）带领他的建筑公司为切尔西酒店注入了活力。他也是法国哲学家查尔斯﹒傅立叶（Charles Fourier）的狂热追随者，傅立叶曾设想过各种形式的乌托邦社会主义。自 1884 年开业以来，这家酒店一直秉承着这一理念，它不仅是一个临时住所，更是一个终生的家，为众多艺术家、作家和文化影响者提供了一个聚集地，以产生信仰体系，坦率交流思想与创作。 继续 -
迈克尔·耐贾尔 @艺术科学博物馆，新加坡
群展“火星：永无止境” 2023年11月25日 BANK欣然宣布迈克尔·耐贾尔作品参与了正于新加坡艺术科学博物馆举办的“火星：永无止境”展览。本次展览由艺术科学博物馆和巴塞罗那当代文化中心主办，由西班牙策展人Juan Insua策展。 迈克尔·耐 贾尔自2021年起便在 埃隆·马斯克（Elon Musk）的 SpaceX 星际基地（Starbase）进行拍摄 ，彼时他创作了一幅史诗性的三联画，展示了夜间施工中的未来主义太空港。此次展览中， 迈克尔·耐贾尔的大型三联摄影作品《starbase》（2022）、影像作品《terraforming》（2017）和他最新影像作品《*starship》(2023)都将面众。该展览也是《*starship》的首次国际放映 。 展览“火星：永无止境”通过艺术、历史和科学的角度探索了从古至今人类对火星的迷恋与联系。该展览也是当今首个凝聚了关于火星一万两千年文化历史的展览，展出了影响现代天文学的罕见手稿、提议将火星作为地球替代行星的艺术作品、火星陨石原物等等。从远古神话到可能成为现实的未来，该展览既直面了地球目前面临的危机，也同时展望了人类与火星未来关系的各种可能。 继续 -
郑庆和巴塞尔文章
John Yau“走进郑庆和变幻莫测的艺术世界” 2023年11月16日 艺术家郑庆和（Ching Ho Cheng）重新获得关注已有很长一段时间，而艺术界迟迟未予其认可的一个原因或许在于，他是一位华裔美国酷儿艺术家，且从未将自己的性别或身份作为作品的主题。郑庆和：「我从来不是一个传统的中国人」，他点出：「我在华人社区从来都是局外人。」 郑庆和1946年出生于哈瓦那，由于父亲是中华民国外交官，郑氏一家在1949年中华人民共和国成立后归国之路便遥遥无期。 1951年，他随家人来到美国。 1964至1968年期间，他们在纽约皇后区定居，在那里长大的郑庆和利用暑假在艺术学生联盟（Arts Students League）上课，之后在柯柏联盟学院（Cooper Union School of Art）学习绘画，他曾先后居住在东村和苏豪区，并常待在安迪．华荷（Andy Warhol）与伙伴经常光顾的艺术家酒吧「Max's Kansas City。1976年，郑庆和搬进了Chelsea Hotel。当时正值从观念艺术到新表现主义的转变时期，因而艺术界并未关注到这样一位在布浆纸上用水粉作画且追求精神性的艺术家。 据2021年为其在卓纳画廊（David Zwirner）策展的Simon Wu所说，郑庆和对「生与死的周期性」有着「毕生的兴趣」。他的首批重要作品不仅色彩斑斓、明艳鲜亮，而且具有细致复杂的构图，灵感来自于「变化的状态」。诗人兼翻译家David Rattray在评论这些迷幻的画作时观察到郑庆和对生命与宇宙的起源有着不寻常的关注，以及吠陀文学中提到开第三眼的心理现象。郑庆和曾解释道：「我的作品都在述说同样的事情，只是我一直试图以新的方式表达，一种未曾被尝试的新方法。然而，其实并没有真正的全新，这些事物都曾经被反覆述说，就像山峦一样古老。我只能说，我以自己从未见过的方法呈现。」郑庆和对本土艺术家试图全盘复制传统图像的做法嗤之以鼻，例如：藏族、霍皮族（Hopi）或纳瓦霍族（Navajo）。他指出：「这些全部由本土人士以自己无限的真诚（和更佳的技术）所创造的。」... 继续
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张怡 @ 新加坡艺术科学博物馆
群展 “新伊甸：科幻神话的变革” 2023.11.21 - 2024.3.3 BANK欣然宣布艺术家张怡最新装置作品 《山（香格里拉）》于新加坡艺术科学博物馆的展览 '新伊甸：科幻神话的变革'中亮相。 《山（香格里拉）》是一件炫目的镜面三维艺术品，可以像转经轮一样缓慢旋转，向周围空间反射光线和发射能量。它由美籍华裔艺术家张怡（Patty Chang）创作，作品展现了一个神话般的东方天堂，它首先出现在詹姆斯﹒希尔顿（James Hilton）1933年的小说中，弗兰克-卡普拉（Frank Capra）在 1937 年的电影《失落的地平线》（Lost Horizon）中也对其进行了描绘。 好奇于小镇村民将他们的家乡命名为“香格里拉”的原由，张怡前往这个'人间天堂'，并创作了一段 40 分钟的影像，与装置共同反映了旅游经济、乌托邦幻想和异国情调之间纠缠不清的联系。 该展览将持续展出至2024年3月3日。 继续 -
张移北 @Longlati经纬艺术中心，苏河皓司，上海
群展“灰尘把我们堆积起来” 2023年11月3日 我常常被女性艺术家的作品所感动，也常常试图用语言去记录下这种感动。虽然我不是一个专业的策展人，并且对于撰写专业的艺术评论感到陌生，但这对于我的表达似乎并不构成障碍——我可以用另一套语言进行书写。我与其它女性艺术家之间，仿佛共享一种天然的语言，一种秘密的语言，只有我们能感同身受。当然，这不是要刻意的将另一部分人排挤在外，而只是一种共享了某种神秘体验的、像小学生一样的窃喜。 参与这次展览的艺术家，都出生于80至90年代。她们拥有不同的文化背景、不同的成⻓环境和不同的形式语言。但相同的是，这是我所熟悉的同龄的女性。从小到大，我正是与这样的女孩子们一起成长，她们鲜活又可爱，每个年纪有着不一样的思虑——青春期的躁动与不安；成⻓过程中贯穿始终的情感困惑；以及逐渐步入成熟后对于自身未知的不断探索。我们随着感觉飘荡，有时冲向云端，有时堕入汪洋。我在她们的作品中感受到身体与身体触碰到的瞬间，感受到坠落与⻜升，感受到一点点渺小的轻微的情绪波动所激起的巨大涟漪。 策展人：孙一钿 继续 -
文爵 @山中天艺术中心，北京
2023 屿庐青年艺术节 2023.10.21-2023.11.26 艺术家访谈 Q：请问在当下的语境中你是如何理解“青年”的内在含义的？ 文爵： “可以同时运用第一人称和第三人称视角”。 Q：在你的创作生涯中，作为“核心”的是什么？你又是为何将此作为创作核心的？ 文爵： 我特别喜欢以前听到的一个“假想袋子”/和转化盒子的概念，一个不存在的袋子可以往里面装无限多的东西，我会用这个袋子去拾取我所需要和接收到的信息，然后放到那个转化盒子里面去转化，然后就会产生一个类似“胚胎”轮廓的东西，开始打磨，慢慢打磨出形体最后逐渐去完成作品。这个“假想袋子”里面装着“潜在的无限”。 Q：“材料”是如何影响你的作品形式和创作内容的？ 文爵： 我的创作主要是围绕油画这种媒介展开，因为我非常喜欢有质感的东西，油画这种媒介刚好可以实现我想表达的状态。通过他一层层像构成肉体般的堆砌塑造，让画面逐渐生长出来。 Q：在当下历史语境中，你是如何理解艺术的“内在价值”的？ 文爵： 再次引用藤本树所说的“奇幻色彩”，艺术是可以在现实与幻想的夹层当中，使两者接触，同时又能在当中构建出一个又一个的世界。 *展览由中国当代艺术档案馆提供学术支持 继续
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郑庆和 @史密森尼美国艺术博物馆，美国华盛顿
群展“美国之声与愿景” 2023年9月22日 BANK荣幸宣布代理艺术家郑庆和（Ching Ho Cheng）的作品《亲吻》作为史密森尼美国艺术博物馆的永久收藏，正于其当前馆藏展“美国之声“中展出。史密森尼美国艺术博物馆购买了该作品，该博物馆是目前唯一一所收藏了郑庆和所有时期作品（包含版画）的机构。 这件24x24cm的布板水粉画作品创作于1971年，属于郑庆和创作生涯的“迷幻”时期。六十年代末从库珀联盟艺术学院毕业后，郑庆和开始使用水粉和墨水作为媒介创作动态“迷幻”系列；从西藏艺术中的精神象征主义以及当时流行的对潜意识的其他探索中，这些错综复杂的超现实主义交融进他的心灵。 继续 -
郑庆和 @艾迪生美国艺术馆，美国麻萨诸塞州
群展“自由协会：语境中的新藏品” 2023年9月1日 郑庆和的作品《无题》（1980）正于艾迪生美国艺术馆当前的大型馆藏展中展出。这件水粉画作品属是郑庆和阴影绘画的代表作，艺术家运用水粉画描绘了光的呼吸。画中所绘的窗边阴影来自郑庆和在纽约切尔西酒店的公寓的实景。该作品创作于1980年，此次作为该美术馆的永久馆藏被展出。 自 1931 年开馆以来，艾迪生博物馆的永久藏品呈指数级增长。最初的藏品约有 400 件，包含托马斯﹒伊金斯、温斯洛﹒霍默和詹姆斯﹒麦克尼尔﹒惠斯勒的杰作。目前美术馆拥有 25,000 件藏品，馆藏展现了从 18 世纪至今美国历史广阔而细微的面貌。 继续 -
张移北 @X美术馆，北京
群展“X美术馆三年展2023：萦绕之所” 2023年8月27日 BANK 荣幸宣布艺术家张移北携《Sophia》系列新作品亮相X美术馆三年展2023“萦绕之所”。《Sophia》这一作品系列的灵感来源于一些人际交往中不易察觉的微暗时刻。艺术家将Sophia化身成一个个深海生物，在无法控制的洋流中，它们或许僵硬、或许顽抗、或许敏感而轻盈。忧愁挥之不去，逐流着的他们唯有感知着这洋流、他者与自我。 展览“萦绕之所”旨在对“家”（Home）——这一复杂的社会与历史建构，及其引伸而出的词源学涵义“萦绕”（Haunt）作出回应。作为一种普世社会制度与基础社会构成，“家”既象征着栖息之所，亦承载着历史永恒的情感。展览将家的概念引申为心理状态的温床，探讨了在全球文化异质性背景下的自我演变，以及侵袭或干扰这一演变过程的种种因素。 继续
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郑庆和 @今日美术馆，北京
群展“第四届今日未来馆：致不灭的你” 2023年7月23日 郑庆和的《太阳绘画习作》亮相北京今日美术馆科技艺术双年展“致不灭的你”。该作品创作于1967年，是其作品《太阳绘画》的手稿习作，《太阳绘画》由惠特尼美国艺术博物馆收藏。《太阳绘画习作》创作于郑庆和从纽约的库博联盟学院毕业后，此时正是他艺术生涯的第一个创作时期“迷幻”。在这个阶段郑庆和的作品主要基于水粉和墨水，并从藏传艺术中的精神象征主义中获得了很大的启发。在其极具动感和生命力的表象下隐藏着他长达数月无比精细且循环往复的构思过程，反射出60年代美国社会对东方、后现代、反战等元素的探讨。 继续 -
文爵 @又生空间，北京
群展“青春乐园 —— 中国新绘画案例研究展（一）” 2023.06.11-2023.07.20 本次展览以“乐园”为主题，在千面乐园中聚焦11位艺术家的典型案例，一方面彰示康德“自由游戏”的美学理念，另一方面即是对“中国新绘画”部分艺术家的概括性总结。此外，展览将“乐园”凝置于“青春”的真诚之中，旨在以图式探究中国新绘画的视觉之新、叙事之新、情境之新。 继续 -
王芮 @广东当代艺术中心，中国广东
群展“相思” 2023.05.21-2024.07.21 王芮的作品《河童》（2023）亮相广州当代艺术中心展览“相思”。如果我们的日常工作是与数据交往，在虚拟环境里逐渐走失的个体仍然渴望与现实世界保持联系。散落在普兰色地毯上的[15-25]组树叶-心形制品《河童》（2023），是王芮创造的一系列连接网络空间和物理空间、意识和身体的端口。不同于她运用软件创作的数码绘画，艺术家将近期的实践聚焦在感知那些嵌入物质的真相。由铅笔绘制叶脉、沿边缘线裁剪卡纸形成的树叶，停靠在现实的附近，如枯黄的落叶般脆弱。心形面孔被锡的质地一次次温柔而诚恳地包裹，记录艺术家亲手塑造的行为与情绪。 继续
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张怡 @ 纽伯格艺术博物馆，美国纽约
群展 “艰辛重现：9个为了此刻的实践” 2023.04.26 - 2023.04.30 BANK欣然宣布艺术家张怡参加纽伯格艺术博物馆的展览项目“艰辛重现：9个为了此刻的实践”。该展览是一个行为艺术展览，由9位艺术家在纽伯格艺术博物馆的画廊里分别现场创作为期一周的动态体验、环境和互动。 在4月26日至4月30日期间，张怡将与兽医病理学家阿列克西娅·奈伊玛尼斯（Aleksija Neimanis）、女权主义文化理论家阿斯特里达·奈伊玛尼斯（Astrida Neimanis）和作曲家安娜·伯恩（Anne Bourne）进行合作，呈现一个具有参与性的沉浸式环境。该环境建立在一个更大的研究项目“学习结局”（Learning Endings）之上。这个多媒体表演将通过海洋哺乳动物的尸体解剖，在气候变化的大背景下，思考对生命的关怀和对死亡的关怀。4月27日艺术家将于纽伯格艺术馆进行现场艺术家对谈。 继续 -
张怡 @ 旧金山现代艺术博物馆，美国
群展 “重要的事：八个房间里的一个提议” 2023.04.26 - 2023.04.30 张怡的双屏幕影视作品《顺其自然 / 召唤》（2013）被旧金山现代艺术博物馆永久收藏，目前正展出于 “重要的是：八个房间里的一个提议”。这件作品与她父亲的去世和儿子的出生有关。 张怡的作品与小野洋子、瓜达卢·马拉维拉（Guadalupe Maravilla）和迪亚娜·劳森（Deana Lawson）等艺术家的作品一起，深入探讨了生命与艺术的关系，探讨了庆祝、哀悼和超越等主题。展览以相互关联的时间片段的形式组织，鼓励观众沉浸在艺术家们对失去的审视和展开的视觉表达中，形成一个关于生命和自由概念的微妙而复杂的构图 继续 -
迈克尔·耐贾尔 @“星舰”发射现场，美国太空探索技术公司
2023年4月20日 2023年4月20日，由埃隆·马斯克成立的美国太空探索技术公司（SpaceX）在德克萨斯州博卡奇卡的自建发射场内，首飞了代号为“星舰”（Starship）的新型运载火箭。尽管当日发射并未成功，Space X建造的星际飞船仍是目前世界上最大最强的宇宙飞船和发射系统。 这个巨大的航天器高 50 米，直径 9 米，未来的每次飞行它将能搭载多达 100 名乘客。 “星舰” 将改变我们探索太阳系的方式。它将能够在定期的、具有成本效益的太空任务中运输 100 公吨的货物，包括人类。 BANK艺术家 迈克尔﹒纳贾尔发来现场图像，与我们分享了4月20日令人激动的发射前一刻。迈克尔﹒纳贾尔自2021年起便在星际基地（Starbase）进行拍摄，彼时他创作了一幅史诗性的三联画，展示了夜间施工中的未来主义太空港。 继续
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王芮 @剩余空间，中国武汉
群展“信使” 2023.04.08-2023.09.10 王芮作品亮相剩余空间展览《信使》，此次参展的新作品延续了王芮2022年于BANK举办的个展《银灰色的死》的实践。 继续 -
张怡 @ 马尼拉当代艺术与设计博物馆，菲律宾
群展 “顺变： 重新连接的地球” 2023.03.29 - 2023.07.23 张怡影像作品《召唤消失的游移湖》系列第一&第二部分参加马尼拉当代艺术与设计博物馆（MCAD）的展览“适应：一个重新连接的地球”。该展览是 MCAD 2023 年的首个现场展览，展览邀请了艺术家讲述在资本主义的诱惑和环境保护责任之间的焦虑转变中，气候和日常生活被破坏的现实。 在《召唤消失的游移湖》第一&第二部分（2016）中，艺术家在纽芬兰的福戈岛清洗了一条死鲸鱼，这是一种对死亡事物表示崇敬的仪式性行为。在《召唤消失的游移湖》第一&第二部分（2016）中，艺术家在纽芬兰的福戈岛清洗了一条死鲸鱼，这是一种对死亡事物表示崇敬的仪式性行为。然后，她展示了现在搁浅在一望无尽的沙地上的船只。在强有力的重复中，张怡开始亲手清洗船只，以此哀悼自然环境、人类生计和不计其数的非人类物种的灭绝。 “美国艺术家张怡的影像装置《游移湖》系列充满了诗意和政治色彩。这个投影在折叠纸板上的影像，记录了张怡寻找一个在中国沙漠中迁移的水体的过程；她随后前往不断缩小的咸海，由于苏联的灌溉工程，咸海已经失去了70%的水；她还追踪了南水北调的水渠走向。一路上，她用罐子储蓄母乳，清洗抹香鲸的尸体，并把体液撒向输水管道，把身体机能与地缘政治力量联系起来。” 然后，她展示了现在搁浅在一望无尽的沙地上的船只。在强有力的重复中，张怡开始亲手清洗船只，以此哀悼自然环境、人类生计和不计其数的非人类物种的灭绝。 （ARTnews 作品相关报道） 继续 -
Michael Lin @Beppu, Japan
永久装置《温泉花束》 2023.03.20- BANK欣然见证艺术家林明弘的全新委任公共项目“温泉花束 Onsenbouquet”正于日本别府市全城呈现。作为别府市政府100周年纪念项 目的一部分，该项目对人们日常生活中的图案和设计进行了绘画，将它们放大到一个违背传统绘画概念的规模。 在研究别府市时，林明弘在温泉旅馆和商业区的裁缝店看到了五颜六色的浴衣和夏季和服，以及建筑外墙和旅馆内的瓷砖，他从中获得了灵感。在以温泉闻名的别府，游客经常把浴衣当作休闲服来穿。同样，瓷砖在全国各地都很常见，但与别府的建筑和不断发展的卫生习惯有着特殊的联系。 浴衣和瓷砖的图案以壁画和海报的形式遍布整个城市，以不同方式与空间和人互动。通过这些不同的方式，林明弘的图案将融入这座城市的日常生活中。 继续
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郑庆和 @菲利普美术馆，美国华盛顿
群展“浇筑、撕扯、雕刻——论馆藏材料的可能性” 2023年3月18日 郑庆和的抽象撕纸UFO系列作品于华盛顿的菲利普美术馆的馆藏特别展中展出。Gert Schiff曾在1986年的Artforum文章中评论道，郑庆和UFO撕纸系列“就如闪电一样，永不会击中同一个地方……（他）最黑暗和最激昂的作品，传达了一种戈特弗里德﹒本所说的‘作为宇宙规律的巨大不和谐’的感受。” 该展览题为“浇筑、撕扯、雕刻”，突出了艺术家对材料的选择和处理如何增强观众对艺术的理解并产生对话。展览介绍了菲利普美术馆最新纳入的几件重要馆藏，包含众多名作以及从未展出过的作品，为这些各不相同的、错综复杂的作品提供了一种动态的全新的检视机会。 继续 -
张移北 & 政纯办 @泰康空间，北京
群展“应激之机” 2023年3月2日 BANK荣幸宣布艺术家张移北与政纯办参与北京泰康空间群展《应激之机 Bodily Reaction: Vitailizing the Rare Life》。 作为不可观测的“实在”（entities）而在场，该展览抽取“身体”这一概念，并呈现身体性的不同面向：作为日常的内观、作为有迹可循的训练方法、作为解开精神迷雾的通道、作为人与环境的中介……展览以人体科学热潮为起点，身体成为贯穿于时代变迁的隐秘线索，进而叩问在当代条件下如何找回身体性，于裸命（Bare Life）中寻回生机（Vitalism），并重新开启历史动力的可能。 继续 -
张怡 @ 纽约大学阿布扎比美术馆，阿联酋
群展 “the only constant” 2023.02.22 - 2023.06.04 BANK 欣然宣布艺术家张怡参加纽约大学阿布扎比美术馆当前展览“the only constant'。在这个展览中，艺术家们面对我们的当代景观，着重关注了那些人类改变景观和景观改变人类的时刻，从与乐园（paradise）相关的图像，进而到对发展和技术愿景的想法。这个展览是 一个 正在进行中的 系列， 由策展人 Maya Allison 策划，该系列考察了景观的概念，如其在全球当代艺术实践中被清晰地表现 。 继续
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柯好理，耿旖旎 @德基美术馆，中国南京
群展“年年：动物的能与术” 2023.01.15 - 2023.04.16 BANK 荣幸宣布艺术家柯好理、耿旖旎和孙一钿参与德基美术馆的开年群展《年年：动物的能与术》。展览由策展人杨紫 担纲策划， 汇集跨国界、跨代际、跨媒介的33位/组国际前沿艺术家的59组/件代表作品。 “年年：动物的能与术”展示了（国内外）当代艺术创作中所蕴含的大量具象动物形象。 展览一方面试图增强观众对于“动物”这一亘古母题的理解、体会； 另一方面，或温和、或激进地，向观众展示国内外当代艺术家们观察世界方式的衍进轨迹。 在动物形态所赐予的希冀与憧憬中，愿我们在此癸卯兔年 里自如、恣意、率性与自由。 继续 -
郑庆和 @纽约大学格瑞美术馆，美国纽约
群展“如新：纽约大学精选馆藏” 2023年1月9日 郑庆和的一件阴影绘画于纽约大学格瑞美术馆今年初的大型馆藏展中亮相。这件作品是郑庆和窗户系列的代表作，他运用水粉画描绘了光的呼吸。 该展览是纽约大学艺术收藏（NYU Art Collection）的精选展，也是该美术馆自2020年3月因COVID-19疫情而关闭以来的首次展览。展览展示了纽约大学艺术收藏中引人注目的样本，涵盖近60位艺术家的90多件艺术作品，为参观者提供了观看这些来自典型学术艺术收藏的罕见作品的机会。 继续 -
张移北 & 孙一钿 @松美术馆，北京
群展“断裂的一代” 2022年8月20日 BANK 荣幸宣布艺术家张移北和孙一钿参与松美术馆的展览「断裂的一代」。本次展览是1990年代的艺术家群展，是对90年代 最为代表的艺术家首次集中的展出：费亦宁、郭宇恒、侯子超、刘昕、马海伦、蒲英玮、史莱姆引擎、孙一钿、王梓全、袁可如、张季、张移北、张月薇、张子飘，并由策展人崔灿灿担纲策划。 “断裂的一代”是对他们的梳理和总结，首次以群展、采访和出版的方式，尝试全面地审视发生在中国的一场不可逆的文化转向。展览聚焦新世纪的电子色、网络化、时尚消费、科幻散文和全球身份环境对这一代人的影响，呈现他们对于过去艺术传统的终结，新的时代在这里全面开启。 继续
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张移北 @外滩18号久事艺术空间及驻上海韩国文化院，上海
群展“生于1992——中韩青年艺术家交流展” 2022年8月12日 “蛇的尾巴和⾝体”出⾃伊索寓⾔: “蛇的尾巴和⾝体争吵要求让它来带路，不该⽼跟在脑袋的后⾯。可由于尾巴没有眼睛和⿐⼦，最终它带领着⾝体横冲直撞，掉进⼀个⽯洞⾥。” 作品《蛇的尾巴和⾝体》描述了⼀则带有纷争的故事，其视觉的表达上刻意的避开正⾯冲突。装置的主体选择了蓄能器即螺旋弹簧，使其⼒量平衡，呈现最舒展的姿势。不同⽅向的玻璃⽓泡、⾼压电阻器也试图以看似平和的神态描绘着⼀场权势的⾓逐。 继续 -
张怡 @ 美凯龙艺术中心，中国北京
个展 “我们都是母亲” 2022.7.10 - 2022.10.10 “我们都是母亲”是张怡在中国的首次机构个展。早在1990 年代中期，张怡便于纽约替代性艺术现场脱颖而出，以极富挑战的行为表演和录像作品更新身体政治和身份建构的批判参数。本次展览的名称取自张怡最新影像散文《我们都是母亲》（2022）。在这部作品中，艺术家反思了观察鼠海豚尸检的过程，后者是她与科学家阿列克西亚·奈伊玛尼斯和水体女性主义者、作家阿斯特利达·奈伊玛尼斯合作项目《学以善终》 的一部分。 科学家对鼠海豚死亡原因的检验结果将被保管于拯救动物的档案库。在线上会议中，对尸检的解释，以及抚摸鼠海豚尸体的漫长过程是一次关于哀悼的仪式。影像中，艺术家以记忆游戏卡的方式建立起抚摸死去的幼年鼠海豚的视觉档案，以情动的哲思书写探讨生物之间深层的情感连接。《我们都是母亲》延续了张怡极具流动性的创作实践中对关怀、创伤议题的探究，例如多频影像《奶债》（2020）探讨释放焦虑和哺乳之间的相似性。来自不同地域的表演者在泵奶的同时，朗读不同形式和层次的恐惧，映射着更大范畴的不安全感和系统性压迫。 展览由此追溯艺术家此前的行为表演，如《在爱里 》（2001）中艺术家与父母看似长久亲吻的禁忌探索，《Que Sera Sera/祈祷》（2013-2017）中记录父亲离去和儿子的出生，和《沮丧（母乳）》（2017）系列照片中对日常废弃母乳的记录也映射寻找缩减的水体的过程。在连接图像和文字、身体与意志等不同物质媒介的深层关系中，张怡揭示了个体与集体共享的失去，以便我们可以重新思考愈合的过程。 继续 -
张移北 @当下艺术空间，北京
群展“面颊上的舌头” 2022年6月18日 BANK 荣幸宣布艺术家张移北参与当下艺术空间的展览《面颊上的舌头》。该展览以雕塑、绘画、装置、影像等多重媒介，探索了艺术家如何从各自的工作出发，以有形的作品传达内在的无形对话。 《面颊上的舌头》展览概念的灵感由艺术家谢南星提出，也与马歇尔·杜尚（Henri-Robert-Marcel Duchamp）于1959年创作的自画像“With My Tongue in My Cheek”同名，在原作中，以素描勾勒的杜尚脸部侧面放置了夸张的石膏浮雕，即标题中提到的缺失的舌头，在轮廓中留下了一个缺失的存在，而这一存在也令脸颊变得肿胀。绘画与雕塑两个独立的艺术领域在同一件作品中被叠加，而标题与作品又形成了双关语的关系，即字面意义的不可能。 张移北的作品将墙角下用于灭鼠的毒饵站、春笋、莲藕、棉被、自行车轮胎、铜锅、水壶、暖气翅片散热器、地下供水管道相连通，这些隐匿或显露的构成城市生活的材料在展厅中将重新组合呈现出我与“饥饿”的互搏。 就如谢南星所言，经常地面对自我是一个传统的话题，但却与每一个人息息相关，所谓的“内在”终将化为形象与符号，“我的舌头”则会不断在“我”的脸颊上上演着生与死、语言与形象、幽默与严肃。 节选自文/孟宪晖 继续
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柯好理 @OCAT双年展2021, 中国深圳
“飞去来器” 2021.12.19 - 2022.05.22 柯好理的“海报绘画”展出于OCAT深圳馆和华·美术馆联合主办的“飞去来器——OCAT双年展·2021” ，本次双年展包含十个单元，在三个不同的场馆呈现。 继续 -
张移北 @华宇艺术中心，海南三亚
群展“第九届华宇青年奖入围展” 2021年12月5日 “ 一年一度，华宇青年奖令人期待，是因为它总能集结一些青年人，这些人，在祥和的寂静中，能听见世界的缝隙在幽暗角落缓缓爆裂的声音。为此，他们可能焦灼不安，可能神情泰然。但他们同样可爱。他们操持各种各样的语言，想把自己听到的让别人也听到。终归，他们给予的，是他们所见的真实。爆裂之声倘若回响，便是掩饰即将揭开的信号。” 此次展出的三件雕塑作品源自于系列作品 --《所有东西凿出一个孔都可以成为花瓶》。艺术家通过“凿孔”这一行为，将空间中的每一件作品，都转换成了花瓶。凿孔是破坏也是构建，是剥离也是沾黏。花瓶的孔洞看似是一种确实，实则打开了边界，使花瓶多了一个空间，创造了更多可能的发生。由此，展厅的作品皆将置身于“不再是某物”与“成为了花瓶”的状态之间。展厅里，被重新分割，组装的化粪池延续了艺术家一直以来关注的城市建设的话题，承装着人们排泄物的化粪池再此时不再藏匿于高楼之下，塔门犹如“城市地图”一般再空间呈现。艺术家希望观众以插花者的身份步入，将自身的生活体验幻化成花朵，游走于各式有形亦无形的花瓶之间。 继续 -
张怡 @ 金鹰美术馆，中国南京
群展 “汲物之思” 2021.07.17 - 2021.11.28 BANK荣幸地宣布艺术家张怡参加由南京金鹰美术馆组织策划的展览”汲物之思“，收录12位国内外女性艺术家的表演、影像、雕塑及在地艺术项目。被父权制与西方殖民主义双重霸权分类、贬低为”动物性“、“本能性“ 、”非理性“的女性艺术家们解构传统语境中用于维护父权制与殖民主义的二元对立学说， 或以身体连缀广阔自然界，或以自然物牵引叙事或冥思，或专注于廓清和重新打开那些寓身于传统之中 、载负着古老宇宙论与自然观的物之视野，汲取并淬炼出对于当下问题的回应。本次展览将展出张怡的录像作品《为游移湖祈祷（第一第二部分）》（2016），这件作品也被美国Ballroom Marfa美术馆提名入选2021季“国际艺术家电影”(AFI)项目。 继续
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张怡 @ 那不勒斯当代艺术博物馆，意大利
群展“乌托邦与敌托邦：南方视角下的进步神话” 2021.07.09-2022.02.21 张怡 与 大卫 ·凯利 的合作作品《漂浮物 》（ Flotsam Jetsam ） 在那不勒斯当代艺术博物馆的展览 “乌托邦与敌 托邦：南方视角下的进步神话 ”中展出。 这件作品描绘了中国南方三峡水电大坝修建期间， 100 多万村民因家园被水淹没而流落他乡的情景。作品幻想了另一种水下生活，以审视景观、身份和记忆之间的关系。 展览根据 该馆馆藏的构思为线索，其中包括 55 位意大利和国际艺术家的作品，探讨了当代艺术如何应对过去半个世纪的巨大社会变革：城市化、工业化、新的城市边缘地带的形成、农村空间的人口结构变化、与身体选择、自由和限制有关的斗争。 继续 -
张怡 @ V.O Curations，英国伦敦
群展 “家所” 2021.07.05 - 2021.12.06 BANK 很荣幸宣布艺术家张怡参加由策展人 K ate Wong 组织策划的展览“家所”，从理论及哲学角度探讨关于私人家庭生活的概念。 展览借题于1996年的一篇美国的文化理论家 Bell Hooks 的论文，探讨“家所” 作为一种物理空间的创造，也是精神群落的一种抵抗。 张怡参展作品 'In Love'(2001) 探讨关于爱，牺牲，家庭关系和继承的抽象边界。 “在这个视频中，我和我的父母一起吃洋葱。录像是倒放的，从我与父母热泪盈眶地拥抱开始，随着视频的播放，我们的眼泪收回眼眶，洋葱从我们嘴里吐出。正如片名所示，这段视频是关于爱、牺牲、家庭关系、传承的抽象界限。” 艺术评论人Eve Oishi 在期刊 Camera... 继续 -
迈克尔·耐贾尔 @贝尔格莱德当代艺术博物馆，塞尔维亚
群展“总观效应” 2021年6月19日 BANK荣幸地宣布艺术家迈克尔·耐贾尔的摄影作品“外层空间”参与由贝尔格莱德当代艺术博物馆(MOCAB)策划的展览OVERVIEW EFFECT。 展览主题“总观效应”（overview effect）借题于作家Frank White的同名著作，描述了发生在许多宇航员身上的认知转变：在太空航行中，宇航员能用绝大多数人所无法体验的全新视角来观察自己所熟悉的地球，而在“总观”地表之后，他们中的许多人都会产生诸如世界很大、人类很渺小、人类世界中的各种纷争得失都无足轻重的想法，并萌生出想要保护地球生态的强烈意愿。本次展览旨在探索生态问题的复杂性：企业帝国主义、原住民主权、性别、压迫，以及它们之间种种不可分割的联系，希望将历史与自然概念去殖民化，以重塑一种后人类中心世界的包容心态。 继续
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张移北 @银川当代美术馆，中国
群展“日常的智慧——当代艺术邀请展” 2021年4月24日 BANK 荣幸宣布艺术家张移北参与银川当代美术馆展览《日常的智慧》，探究中国新生代装置艺术的表现方式，发觉日常之物的多元化可能。在展览中要探讨的并不是宏观、抽象的命题，而是呈现艺术家在创作过程中努力找寻的诘问，并以不同的角度与认识，来更新我们在日常生活中那些习以为常而又带有普遍性的认知。不管是回溯过去，还是考察当下，“日常”作为一种意识进入生活、进入艺术，都会形成了一种惯性的累积，映射着“自我”的堆积与再现。因此，“日常的智慧”将探讨如何在日常的经验或惯性中，建立再造的视野，将日常变为异常，将普通变为智性的开发，进入日常之物的潜在深处，使艺术创作在另外的可能性中形成不同于常态的智慧化的感知载体。展览也希望进一步深入这些来自于不同具体生活现场的艺术个体在面对“日常生活”时的差异化认识，以此来反思我们关于当下“日常生活”所存在的遐想与定义，延续当代艺术所秉承的思考与创造本质。 继续 -
柯好理 Art-Ba-Ba 专文
一个英国艺术家虚构了100年后的“展览海报” 2021.04.05 “芭蕾舞者月亮（Ballerina Moon）”是艺术家柯好理（Tim Crowley）近期在BANK展览的名字，在这个展览中，他呈现了一系列160×120厘米的绘画作品——一些幽默的、虚构的“展览海报”。这些海报中出现的图像、艺术家名字、展览时间和展览地点毫无关系，而古怪的展览标题则来自于艺术家自1995年开始收集的短语、对话片段、杂志/报纸采访片段，以及他偷听到的对话、轻率的评论、诗意的、超现实的、神奇的或神秘的词语组合。这些毫无关联和毫无逻辑的组合在艺术家看来，或许在100年后可能是非常合乎逻辑的，只是我们现在还想象不到。因为在未来，展览的策划或许将基于我们现在暂且想不到的角度出发，艺术家之间的关系也是我们现在所预见不到的。 这些虚构的“海报”有一种影射性、挑衅性，关乎一种态度，不合时宜性。艺术家说，“有些内容可能会被解读成针对艺术和机构的不敬或是讽刺，但我的出发点是幽默的，而不是讽刺的，它可以被理解为一种概念性和象征性。幽默、自传、低级趣味和诗人式的对毫不相关的事物的连接，将讽刺和积极集合，颂扬艺术和艺术的一切。” 以下艺术家亲自跟我们聊了聊为什么对“海报”这种形式着迷，以及“海报”从内向外展现了什么样的行业规则。 Q：请为我们介绍一下你自己，以及这些画作是如何孕育出来的？我想听听你的背景，你来自哪里，是什么特殊的环境、教育、培养和过往经历让你创作了这个系列的作品。 柯好理： 我从小在英国萨默塞特郡的东科克小村落里长大。艺术是我在学校里唯一真正感兴趣的事，我从未考虑过要成为别的什么或是做其他的事。我一直认为这是一种优势，因为从小长大，身边的许多朋友都不清楚他们将来想做什么。我从没有过这种疑问。虽然我一直都在从事绘画和创作，但我却很少真的用艺术创作来谋生。我曾在伦敦、纽约和罗马的画廊工作过，长期担任艺术杂志《Tema Celust》的图片编辑和专栏作家。我也在北京中央美术学院任教过多年，我曾独立策划过展览，也为国内外的艺术机构策划项目，同时还制作了关于艺术家和他们的创作实践的纪录片。但无论我生活在哪里，我都会画画和创造图像。多年来，我一直在创作抽象绘画，其中有很多现在又以重新绘制的形式出现在新的绘画中。我觉得，我的许多作品、照片、笔记、短句和作品构思都很有趣，但我不知道该如何使用或呈现它们，因为它们往往只讲述了一半的故事，每件作品在视觉上也都很不相同。我花了相当长的时间才找到一种方式，让我得以把所有这些零散的事物以一种合乎逻辑的方式放在一起。 Q：有趣的是，这些作品几乎是你整个艺术生涯的汇总。它们像是你长期建立的一个精神档案库，现在终于派上了用场。 柯好理： 是的，在某种程度上是这样的。我会花很多时间去想，什么才是一件好的艺术品呢？我会看着一些东西或一些人想，他们会成为什么样的艺术品呢？有时我会这样判断一个人——我会问自己，如果他们是一件艺术品，它会是什么样呢？我也用世界各地博物馆里中我所熟悉的那些图像来审视我自己。比如，我会记得自己在上一次看到某件艺术品时是怎样想的，然后等我再看一遍时，虽然作品本身没有变，但我会用完全不同的方式去看待它。发生变化的是我自己。这样我就看到了我是如何改变的。我通常会用某种方式记录下来这些想法和感受，可能是写下来，也可能是录音。它们又总会以某种形式在我自己的作品中浮现出来。 Q：显然，这些作品和艺术广告有关，就像音乐活动或电影那样，海报被用来吸引观众。海报通常肩负着很大的任务，既要传达出展览的核心，也要拉拢观众。你怎么看待当代艺术界的广告，特别是你曾经担任过艺术杂志的编辑，这类杂志上总会有这种广告。 柯好理： 我总是对海报形式的广告感兴趣，以及它们如何能够非常迅速地创造出一个完整的画面。从某种意义上说，所有的画作都是它们自己的广告。真正好的海报可以很快地成为想象力的发射台——只需要几个元素就能构成一个完整的印象。 我10岁左右的时候，总会去老家当地的VHS录像带租赁店，租赁店的老板会赠送电影海报，所以我就开始收集电影海报。我主要收集的是恐怖电影的海报，比如《万圣节》、《德州电锯杀人狂》、“弗雷迪·克鲁格”系列（the Freddie Kruger）或《鬼哭神嚎》（The Amityville Horror）等，还有像《艾曼妞》（Emmanuelle）这样的软色情电影的海报。对于我这个未成年人，他会把我当作成年人租给我片子，毕竟我是他那儿的常客。有时候我根本没机会看那些电影，因为录像机在我父母的起居室里，但我收集了海报。... 继续 -
张怡 @ Pioneer Works，美国纽约
个人项目“奶债” 2021.03.19-2021.05.23 BANK 很荣幸宣布艺术家张怡的个人项目《奶债》目前正在纽约非营利机构 Pioneer Works 展出。自2018年起持续进行的多频道影像装置 '奶债'（ Milk Debt），展示了从香港和美国的公开招募得到的的恐惧清单(fear list)，以及纽约疫情期间COVID。收集而来的恐惧清单被编撰程成流动的文本，由香港、洛杉矶、圣塔莫尼卡和美国/墨西哥边境的女性一边泵奶一边阅读。母乳含有丰富的荷尔蒙催乳素和催产素，它们共同促进了母亲和新生儿之间的关系。在作品《奶债》中，母乳成为了一个充满激情和及时的隐喻，说明在全球危机时期，同情、理解和相互义务的重要性。这个展览曾在圣莫尼卡的18街艺术中心展出， 此次是在 纽约的首次亮相。 这个项目是长期生活在纽约的张怡从纽约搬至洛杉矶后开始的。她的一位朋友建议她把自己对气候变化的担忧写在一张清单上，这张清单长达四页。她邀请她的朋友和同事贡献自己的担忧，并开始构思这些清单作为表演和视频的提示。从那时起，'奶债 '已经扩大到包括9位女性表演者，名单的范围也在不断扩大。也许这个项目最引人注目的是分布在每个人口群体中的统一的担忧：害怕死亡，害怕感染COVID，害怕失去工作，害怕不被爱。该项目本质上是集体焦虑的写照。在一个政治分裂、内乱、流行病蔓延、对我们集体的未来产生怀疑的时代，集体本身的概念从未如此重要。张怡因其开创性的、经常是挑衅性的女性主义作品而广受赞誉，她对女性身体的关注，即是一种集体性的贡献。 《奶债》的标题取自中国佛教的一个教义，即母亲必须为她多年的生命乳汁，《奶债》表明，作为人类，我们欠下了许多债，欠下了地球和彼此的债。正如张怡所指出的那样。'我相信生产母乳和哺乳的行为 是一种感同身受的行为从生物学上讲，母乳产生时，身体开始产生催乳素和催产素的激素。催产素是人在恋爱时产生的一种激素。生产母乳的行为让女性参与到这种状态中来，有人可能会把这种状态描述为更有联系，更开放和接受，而不是先考虑自己。' 这个特别的线上放映项目及围绕艺术家张怡作品《奶债》展开的艺术家对谈是由加州18街艺术中心与马拉松放映共同发起。 张怡的展览原计划于5月16日在18街艺术中心开幕，因疫情原因，将延后至秋天。 张怡2020年3月伊始，于#在家更安全#的政府应对疫情措施之时，重新开始收集恐惧清单，这次的线上放映将会展示一些疫情期间收集到的恐惧列表。 继续
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张怡 @ Ballroom Marfa, 得克萨斯，美国
国际艺术家电影（AFI） 2021.03.19 - 2021.05.23 BANK 荣幸宣布艺术家张怡的录像作品《为游移湖祈祷(第一第二部分）》(2016) 被Ballroom Marfa 美术馆提名入选2021季“国际艺术家电影”(AFI)项目。“国际艺术家电影”关注国际重要影像作品，作品由多家艺术机构作为全球合作伙伴共同推荐选择，每一个机构提名推荐所在地区优秀作品，在这一年中这些作品将会在全球所有合作艺术机构展映。 影片中，张怡通过关怀与哀悼的仪式，呼吁思考人类与非人类的生命、自然环境与地缘政治：曾经的捕鱼中心纽芬兰福戈群岛，一只鲸鱼的尸体搁浅在海岸，张怡冥想式地清洗着这死去动物的躯体；乌兹别克斯坦的穆伊纳克沙漠，咸海的废弃港口，她擦洗着一艘废弃船只的外壳。面对这些永远不可能恢复生命的实体，她的重复行为几乎是荒谬和不必要的。尽管如此，她还是继续履行这些关怀仪式，也许是为了处理他们命运的结局。过去一年，人们在疫情中集体遭受了巨大损失。为了创造新的生活方式，或许人们首先需要通过这些电影中展示的关怀仪式来实践哀悼、治愈和冥思的方法。 继续 -
迈克尔·耐贾尔 @浙江美术馆，中国
群展“山海新经——中华神话元典当代艺术展” 2020年10月1日 BANK is honored to announce that artist Michael Najjar's participation in the exhibition ‘The New Classic of Mountains and Seas:... 继续 -
迈克尔·耐贾尔 @不来梅市OHB SE总部，德国
2020年7月24日 BANK很高兴向大家宣布艺术家迈克尔·纳贾尔近期以他富有盛名的作品《月球探索者》为蓝本为为欧洲顶尖的宇宙科技公司 OHB SE 创作了一幅80平米的壁画作品。该作品永久展示陈列于德国不来梅市的OHB SE公司会议室。 作品《月球探险者》 是向人类50年前第一次登月致敬，向上个世纪最重要的探险家——这十二位月球漫步者致敬。阿波罗宇航员配备了哈苏相机，拍摄了数千张照片，艺术家通过档案获取了这些图片原件，并加以重新布局拼贴，将十二名宇航员在月球表面一起行走和工作——实验，采集岩石样本，驾驶月球车行驶，拍摄等动作完整呈现于一张画面之中。几个世纪以来，人类对月球的迷恋创造了一个理想之境，我们憧憬着关于人类在外层太空扩张的想象力和自由幻想之中漫游。 继续
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张怡 @ 18街艺术中心，美国加州
放映《奶债》 2020.5.20 12:00 - 2020.5.22 13:00 《奶债》是一个由多部分组成的影像作品，作品中一名女性一边泵奶，一边默背出来自世界各地不同地方的恐惧清单。作品名意指中国佛教的一种观念，即孩子永远背负着母亲喂奶予他的恩情。奶债是一种将我们与我们的历史和地球联系在一起的安排，被认为是一种无法偿还的债务。从生物学上讲，母乳是在身体开始产生催乳素和催产素的时候产生的--这是一种在恋爱时也会产生的荷尔蒙。表演就像一种仪式，表演者将他人的恐惧转化为公开演讲。通过说出恐惧，抽水者将恐惧从个体转化为公共。在人们受到气候变化、政府政策、资源匮乏和流行病影响的时候，至关重要的是找到与他人联系的方法，保持包容性和同情心，找到在我们的世界创造意义的方法。 这个特别的线上放映项目及围绕艺术家张怡作品《奶债》展开的艺术家对谈是由加州18街艺术中心与马拉松放映共同发起。 张怡的展览原计划于5月16日在18街艺术中心开幕，因疫情原因，将延后至秋天。 张怡2020年3月伊始，于#在家更安全#的政府应对疫情措施之时，重新开始收集恐惧清单，这次的线上放映将会展示一些疫情期间收集到的恐惧列表。 继续 -
张怡《纽约时报》专访
五位艺术家眼中的2019年 2019.12.03 奶债（2019） 张怡 2018年夏天，我被我对气候变化和美国当前的各种事态的焦虑情绪淹没了。我决定把那一刻我所害怕的一切都列一张单子。当知道我的一些恐惧是荒谬的，这让我松了一口气，但知道当后果超出了我的控制，也同样令人害怕。 自2019年2月以来，我一直在做“奶债”(Milk Debt)这个项目，这是一个由多个部分组成的视频作品，内容是女性一边泵着母乳，一边背诵恐惧清单。到目前为止，我收集了洛杉矶和香港女性的恐惧。随着这个项目的推动，我希望在其他地方也能开展，其中包括靠近美国和墨西哥边境的地方。 这一项目的名字来源于中国佛教中的一种观念，即孩子应感恩母乳。当身体开始产生催产素和催乳素时，就会产生母乳。一个人在恋爱时也会产生催产素。奶债，其实就是一种将我们与自身历史和地球联系自相联系起的一种寓意。这是一笔无法偿还的债务。 图片是今年6月9日拍摄的“奶债”(Milk Debt)的一部分的三个视频静止画面。 在人们因气候变化、政府政策和资源匮乏而苦恼之际，至关重要的是与他人联系，具有包容性和同情心，并找到在我们的世界中创造意义的方法。 张怡是一位以表演、录像、写作和装置为媒介的艺术家。她居住在洛杉矶。 （ 本文翻译节选《纽约时报》专题文章《五位艺术家眼中的2019年》 ，其中一篇系采访艺术家Patty Chang 张怡，对原文略有删减。版权归纽约时报所有。） 继续 -
张怡 @ 特尔费尔美术馆，美国乔治亚州
群展“召唤大海：当代艺术家与白鲸” 2019.11.01-2020.02.16 张怡作品《召唤消失的游移湖（第一&第二部分》（2015-2016）亮相特尔费尔美术馆展览“召唤大海！当代艺术家与《白鲸》”。 该展览展出了六位当代艺术家的作品——科里·阿诺德（Corey Arnold）、盖伊·本·内尔（Guy Ben-Ner）、张怡（Patty Chang）、特里斯坦·洛（Tristin Lowe）、阿兰·塞库拉（Allan Sekula）和弗兰克·斯特拉（Frank Stella）。他们通过自 1985 年以来创作的大型雕塑、摄影、版画和视频作品，对梅尔维尔文学经典中的寓言故事做出了回应、挑战和赞美，堪称史诗般的故事讲述者。之所以选择这些艺术家，是因为他们的探索具有史诗般的性质：展出的这些作品在每位艺术家的作品中都具有类似于巨蛋的地位——它们要么是历时多年的艰苦创作，要么是以《白鲸》这类小说所应有的史诗般的规模完成的。这些艺术家的作品鼓励人们就生态与自然、经济与工业、人类心理与情感展开对话。 继续
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迈克尔·纳贾尔个展Artnet展评
“首个进入外太空的艺术家，在上海寻找自己的’外层空间‘” 2019年10月17日 '首个进入外太空的艺术家，在上海寻找自己的'外层空间'' BANK系转载自 Artnet中文网,文章撰写/ Tao Le Zhu 9月末，与影像上海艺术博览会同期，位于上海安福路的BANK画廊为德国艺术家迈克尔·纳贾尔（Michael Najjar）举办了其在中国的首次个展。这位艺术家也被带到艺博会，作为展位上唯一展示作品的《点火》（Iginition，2019）足以挑起话题性。作品精准地捕捉了联盟号卫星发射火箭在欧洲太空港起飞离开发射台的瞬间。难以让人想象的拍摄角度，高清的质感，其中更蕴含着一种强大的加速度和静止不动的同时性的矛盾印象，以及成功和失败并存于瞬间的不安全感。而当工作人员介绍到，迈克尔·纳贾尔将于明年成为第一个进入外太空的艺术家时，更是将不少的好奇和关注者吸引到了展位。 BANK画廊空间中的个展则更加完整地展出了最新系列作品《外层空间》（2011年至今）多数摄影和视频作品。整个系列探究了国际上太空探索的最新进展，并带着批判性的眼光审视了我们与21世纪新兴技术之间的关系。 沿着台阶走进位于地下的画廊空间，首先进入视野的是描绘登月的一张三联副的数字合成照片。而在作品旁架着哈苏相机的迈克尔·纳贾尔正在拍摄展览现场图，认真摆弄机器的架势和登月图中的宇航员俨然并无二致。 迈克尔·纳贾尔将这个系列大致分为5个版块：太空中的身体；运载工具；太空再生能源；天文探测；地表改造/新世界。每个版块，他都通过不断重构时间和空间来释放图像的潜力，创造未来我们在地球，地球外层空间和其他行星生活的愿景。 值得一提的是，展厅中所有照片尽管以静态无声的形式呈现，却在《轨道级联57-46》视频作品声音的公放回响中，默契地以沉浸式的观感交错在一起，给观众提供了将自己置身于未来太空的想象空间。而在展览结束，从地下走出重新看到太阳时，那个好似深邃宇宙的声音依然回荡在耳边，令人不由地期待起迈克尔·纳贾尔作为艺术家的太空之旅。 继续 -
张怡 @ 广东时代美术馆，中国
群展“忘忧草：考古女性时间” 2019.09.14-2019.11.17 BANK荣幸宣布艺术家张怡参加广东时代美术馆举办的展览“忘忧草：考古女性时间”。展期为2019年9月4日至11月17日。 “忘忧草”是一种路边常见的野生植物，同时也是一位普通女性的网名，是你我身边都能找到的一种典型女性。“忘忧草”的自我命名暗示了具有女性特质的人在面对内在冲突时的处理方法：来自外界的忧愁只能靠主观意志的遗忘来自我消化。 “忘忧草”的自我指向不是机缘巧合的个案，自我消化的习惯是在漫长的时空中一点一滴发展而来。展览通过“女性时间”和“解压家庭”这两个角度去重新阅读这种自我指向和书写，时空中进行一次非正式考古。女性时间是从线性的历史时间中抽离出来的时间感知，比起以目的和进步为导向的历史时间，女性时间度量着没有明确经济价值的家务劳动、亲密关系中暗涌的情绪、在正式的历史书写中被忽略的个人往事。展览试图用女性时间进一步提问：如果女性时间是相对的，是什么权力结构在左右这种相对性的塑造？在现实中复杂的亲密关系和奉献中，我们又应如何用女性时间的时间轴来重新整理我们拥有的经验和素材，并理解其中的五味杂陈和纠缠？ 女性时间在家庭空间中被集中折叠起来，如同奇点，其中人的行动、判断、沟通、建造、破坏都成为劳动、情绪、记录的表征，等待着被刺透和释放。通过“解压家庭”，展览的作品探讨了女性及其所处的物理环境以及周围所产生的欲望、亲密关系和暴力，同时也回应了在历史所遗留的传统观念和当下的新自由主义的情境中，乃至不断发展的技术，尤其是生物技术对传统的女性和血缘观念带来的挑战。 继续 -
张怡《ArtAsiaPacific》封面报道
《绝望、坦荡又强势的欲望》 2019.07 文/ Ysabelle Cheung 作品“奶债”表现了艺术家张怡近期对悲伤、死亡和环境的诸多担忧，但也让人回想起她最早的作品-自她20世纪90年代中期的那段年轻又激进的青年时光 开始探究的关于解构身体和身份的相关议题。虽然她最初对成为一名画家感兴趣，但在加州大学圣地亚哥分校（UCSD)学习行为艺术家埃莉诺·安廷(Eleanor Antin)后，（行为艺术家埃莉诺·安廷以作品在一个月内速成节食中并拍下自己裸体瘦弱的照片而出名），她转而开始探索行为表演。1994年毕业后，她搬到了纽约，并与实验艺术和地下俱乐部运动为伍，在Exit Art和一些在市中心画廊等艺术空间以及肉库区（Meatpacking）的Clit Club和东村的Performance Space 122等跨界场所表演。在这些表演中，张怡演绎着看似没有剧本的行为，扭曲了女性气质的比喻，比如在她的牙齿之间拿着一个水晶球，强迫自己微笑，同时穿着传统的白色婚纱；狼吞虎咽地吃着“阴茎”热狗；或者打碎她塞进连裤袜里的鸡蛋，卵子顺着她的双腿滑落，破坏了她朴素的职场女工套装。 张怡在20世纪90年代末至21世纪初的表演不仅与性、亚洲女性身份有关，而且还结合文化禁忌挑衅性混合。在“甜瓜”(1998)中，她一边吃着自己的“乳房”-裹在胸罩里的出汁哈密瓜-一边谈论着姑妈的去世。在“为阿布拉莫维奇爱着谷克多”(2000年)中，张怡模仿艺术家玛丽娜·阿布拉莫维奇́1996年吃生菜的行为，张怡和另一位和自己面貌相像的女表演者轮流吃一个白洋葱，在她们的嘴之间来回传递。这个动作的录像片段在视频中向后播放，这样洋葱就会逐渐重塑，两个数字的眼泪流会收缩成水滴。后来，张怡在“爱”(2001)的双频道视频中记录了与父母相同的亲密行为，在视频中，她挑战了传统的家庭感情-看起来像是她和父母在接吻-以及繁殖的循环，因为他们都在从嘴里“生产”洋葱，扮演着平等的角色。而不是母亲和父亲“生产”一个孩子。在这些影像中，张怡象征性地放弃了自己的一部分，进入无生命的物体，只是吞噬它们，字面上或比喻地，很像神话中的奥罗波若蛇（意味“轮回”）的象征，一条蛇或龙吃自己的尾巴，象征着永恒或无尽的变化周期。通过这些行为，张怡以自己的方式重新找回了对自我的概念-如虚荣或自恋-这是对父权统治下对女性身体的征服的一种否定。 这些自我消费和整体性的概念在1999年首次在纽约杰克·蒂尔顿画廊(Jack Tilton Gallery)上演的“喷泉”(Fountain)中得到了最清晰的体现。为了这个项目，张怡在空间的地板上安装了一面大圆镜，并用水覆盖了它。她穿着一套不起眼的灰色套装，跪在地上，从镜子里吐出液体，似乎在用自己的倒影反复接吻长达35到40分钟。这些行为让人想起雅克·拉康(Jacques Lacan)的“镜像阶段”(Mirror Stage)的概念，在这个阶段，幼儿在真实或社会产生的反射中看到自己，引发了支离破碎的婴儿意识与脆弱的身体之间的终身冲突，以及新出现的统一的身体形象。作为对种族主义亚裔美国女性的回应，社会通常通过她破碎的部分-正如文化理论家安妮·郑安妮(Anne Anlin Cheng)可能会说的“装饰”-来看待这个想法，张怡的脸朝着银色的表面移动，不断地破碎和统一她的形象，并揭示出一个流动的、移动的、能够重新回到身体中的自我，她带着喧闹，狂热的兴致这样做。 张怡的极端行为表演反应了她作为亚裔女性所经历的政治意识形态与个体创伤，她常将自身边界推到正常生理和心理极限之外。“剃须”(1998)由五分钟的紧张动作组成，艺术家试图蒙着眼睛剃掉阴毛，刀片有时危险地就置于她的生殖器附近。在古怪的性爱视频-表演“(无题）鳗鱼”(2001)中，她把活的蠕动的鳗鱼塞进扣子扣的衬衫里，无法控制地蠕动，努力控制自己的厌恶和衬衫里面的生物不可预知的颠簸。“舞台惊恐”系列(2002-04)描绘了张怡坐在马桶上享用外卖食物的故事。之后她会立即清理胃里的东西，并在一个小时内重复这些动作。后来，她回忆说，通过这些作品，就像喷泉一样，她“将获得灵魂出窍的体验。因为我只是在一个地方待了这么久。我表演了很长一段时间的作品“喷泉”，喝了这么多水差点就死了。我一点也不知道。我是个白痴。当我第一次为制作鳗鱼时，时间变慢了，因为我害怕像蛇一样的动物。我不知道已经过去了多少时间。现在回想起来，似乎是一次创伤经历。” 渐渐地，2000年代，张怡开始“走出表演框架”，将对身份认同的思考转移到其他“身体”上-风景、电影或其他。在摄影和影像系列“扭曲”(2000-02)中，张怡戏谑地象征着这种超脱-从“我”作为主体，到“我”作为导演（架构者）-从腰部以上记录自己，从腰部以下记录另一个没有面孔的女人，把两个人安排成一个身体。她穿着一身猩红色和金色相间的套装，摆出一副模棱两可的姿势，面对着一个超性却又端庄的亚洲女性的悖论事实。正如Oishi所写的：“坏亚洲人”，比如张怡，“通过与流行文化的反常认同和关系找到自己的声音，这种认同和关系揭示、调整和玩弄使文化流行的激进幻想、恐惧和表现。”在这里，张怡兴高采烈地玩弄着那些幻想；她傻笑着，好像是在嘲弄那些试图为了自己的快乐而将她的身体物化，却失败了的观众。... 继续
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张怡 @ 大馆当代美术馆，香港
艺术表演《奶债》 2019.06.18 “奶债”艺术表演 时间: 6月8日，2019 6:30pm-8pm 地点: 赛马会立方 JC Cube 由香港大学艺术系呈现 ASAP周边活动 《奶债》是艺术家张怡特地为香港创作的表演，通过母性探索个体的行为与集体的恐惧，也探讨恐惧与欲望的界限、人们彼此报恩或报怨的关系。她借着地方和归属在情感和情绪上所引起的共鸣，展现对地理、土地和身体的关注。 继续 -
张怡 @ 洛杉矶当代艺术博物馆，美国
个展 “游移湖 2009-2017” 2019.03.17-2019.08.03 BANK 荣幸宣布艺术家张怡的“游移湖，2009-2017”项目于2019年3月17日在洛杉矶当代美术馆（ICA, LA）展出。张怡是一个以表演、录像和装置为创作形式的跨学科艺术家。她曾展出于纽约现代美术馆、纽约新美术馆、加州大学汉莫美术馆、芝加哥当代艺术博物馆、德国汉堡艺术协会和瑞典斯德哥尔摩现代美术馆等。2009年，她获得了柏林美国研究院的视觉艺术奖学金，同时她也是2014年的古根海姆奖学金获得者。 《游移湖》是一个个人的，关联的，对于哀悼、关怀、地缘政治和景观的叙事冥想。游移湖项目继承了张怡对文化假象的兴趣。在这项工作中，她回到了用她的身体来表演以及通过表演来体现对环境的探究上。作品用水来作为政治和诗学的媒介。该项目受由斯文·赫定的著作《游移湖》启发。在20世纪初，瑞典探险家斯文·赫定由中国政府委托寻找一个现代丝绸之路，或通过中国西部驾车前往沙漠的路线。同时，他记录了他的旅途发现并标注了游移湖。游移湖神秘地从原来的位置消失，在不同的地方被发现之前就已经被错误的标记和丢失了。令张怡感兴趣的是：当一个地域移动位置，它的错位如何令人开始质疑那些系统和建立在系统周围的身份。这让她开始考虑不稳定的景观是如何制造镜像和破裂我们的现实、地点和自我。 继续 -
陈哲 @ 悉尼白兔美术馆，澳大利亚
群展“热血” 2019.03.15-2019.08.04 BANK荣幸宣布艺术家陈哲参展澳大利亚悉尼白兔美术馆2019年开年新展“热血”。“热血”展出了23位敢于冒险的艺术家们。他们嬉戏、不敬-有时彻头彻尾的颠覆性，他们探索的主题从性欲和身体脆弱到精神狂喜和创伤记忆。 陈哲的作品《蜜蜂》与《可承受的》与一群生活在这个复杂世界的艺术家中共同展出，他们的作品似乎在柏林或是北京都有迹可循。无论他们属于四海为家的千禧一代还是前卫一代，他们都拒绝被贴上性别、年龄或民族认同的标签。 “热血”展示了一群令人兴奋的艺术家，他们属于批评家芭芭拉·波拉克(Barbara Polack)所说的“后护照时代”：他们参与全球艺术讨论，采用新的新兴技术，并混淆了对中国艺术外观的陈旧期望。自20世纪90年代中国当代艺术在国际艺术舞台上轰动一时以来，中国社会的巨变反过来又改变了中国当代艺术的本质。热血沸腾的艺术家们反思他们的中国社会-也反思我们的社会。随着历史被拆除、修改、重新解释和更新，身份和意义的问题变得越来越紧迫。 继续
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张怡 @ 悉尼白兔美术馆群展，澳大利亚
群展“热血” 2019.03.15-2019.08.04 BANK荣幸宣布艺术家张怡参展澳大利亚悉尼白兔美术馆2019年开年新展“热血”。“热血”展出了23位敢于冒险的艺术家们。他们嬉戏、不敬-有时彻头彻尾的颠覆性，他们探索的主题从性欲和身体脆弱到精神狂喜和创伤记忆。 行为艺术家张怡的作品《架构》（Configurations）沿着南水北调工程这一工程奇迹和历史上最大的引水工程的路线，从南向北横贯中国。她的作品一直受到禁忌和思维定式的困扰，故此她决定每次发现一条新的导水管，她就会在自制的“女性泌尿器”中收集自己的小便，以作为她身体力行旅行的证据。 “热血”展示了一群令人兴奋的艺术家，他们属于批评家芭芭拉·波拉克(Barbara Polack)所说的“后护照时代”：他们参与全球艺术讨论，采用新的新兴技术，并混淆了对中国艺术外观的陈旧期望。自20世纪90年代中国当代艺术在国际艺术舞台上轰动一时以来，中国社会的巨变反过来又改变了中国当代艺术的本质。热血沸腾的艺术家们反思他们的中国社会-也反思我们的社会。随着历史被拆除、修改、重新解释和更新，身份和意义的问题变得越来越紧迫。 继续 -
王芮ARTFORUM采访
王芮谈“你本不能到达这里，你知道的” 2018.07.18 文／采访／缪子衿 *原文 于2018年7月12日发布于ARTFORUM中文网 王芮在Salt Projects的个人项目'你本不能到达这里，你知道的'（You weren't supposed to be able to get here you know）以两幅电脑拼贴作品为出发点，逐步叠加代表自身日常状态的图像。产生于网络世界的图像经过艺术家物质化的转换，和来自现实世界的图像并置，模糊了视觉信息与其载体之间的界限。作品之外，空间里还包括书籍、CD、画具、生活用品以及打包箱——王芮推进这个项目的同时恰好需要收拾行李，从北京搬去上海；来自艺术家工作室的私人物品和待寄的包裹填充着展厅，为作品提供了一种临时的、不稳定的环境。这也回应了王芮的实践方法，创作即是不断质疑自己如何在多种状态（工作、生活、现实、网络、电脑图像、架上绘画）间切换的结果。 选择把自己的私人生活展示给观众不会让我忐忑不安，因为展厅中形成的观看和我本身并不发⽣实质的关系，反而与陌⽣人面对面的交流需要我⿎足勇⽓，经历一个漫⻓而痛苦的过程才能深入讨论。将作品呈现给观众才是最令我感到害羞的事，因为作品⾥的我是无法遮掩的。Salt Projects邀请我做个人项⽬，起初我通过三维建模软件SketchUp尝试过⼀些布展效果，但都是按照常规的⽅法把作品⼲净、完整地布置在空间⾥，这种⽅式让自己觉得有点无聊。艺术家如果不能充分利用一个物理空间所能带给观众的体验，拍些美美的照⽚放在⽹页上让人浏览岂不是更好？事实上，我觉得网络观展是⼀种⾮常舒适的体验，因为数字平⾯留给观众更多想象空间，⽽展览现场则包含实体细节。我需要在Salt Projects设立⼀个框架把作品串联起来，恰好当时自己工作室的仓库⾥有准备搬去上海的若⼲个⼈物品，收纳在打包好的纸箱里，它们体现了我当下的状态。展厅中，由胶带封住的打包箱、铺陈在台面与货架上的书籍、日用品、画具等构成的现实世界中的我，与墙上作品所代表的来⾃精神世界的我形成对⽐。所有物品的摆放基于⼀种⾃然的、日常的秩序感。 我和Salt Projects的两位策展人富源、韩馨逸很早之前就认识，在这次合作的过程中，我们共同讨论展览的方向与问题。比如，原本我想以“醒醒”为展览标题，它既是我⽬前的状态也是我对⾃⼰说的话。“醒醒”不仅仅是指从虚拟回到现实或从现实回到虚拟，而是提醒自己不要太在某种状态里。可能“醒醒”还是太直⽩了，我们最终选择了一个委婉的展览名。“你本不能到达这里，你知道的”这句墙体标语来⾃⼀款基于网络的虚拟游戏Second... 继续 -
王芮 @Salt Projects，中国北京
个人项目“你本不能到达这里，你知道的” 2018.06.20-2018.07.20 一阵来自网络世界的微风，时而让人身心舒畅，时而让人目眩头晕。以匿名的虚拟身份驰骋在信息高速公路上，并不代表可以完美地消失在数据的尽头，相反这样的运动塑造了新的生命。作为成长于网络信息之下的年轻一代，艺术家王芮选择在信息之海中寻找一种和谐的存在形式：全身心地投入并享受网络漫游所带来的新鲜信息，并用更为真切敏感的状态拥抱真实时空中的每一次叶落及花开。 当然，全身心地与网络连接有时也会造成消极的结果：当搜索都成为被动的可被预测的数据，当毫无节制的浏览造成了感官的疲倦与麻木，当信息的无限包裹让人无法分清现实与虚拟的边界因而迷失自己，但这并不妨碍身为艺术家的王芮寻找并创造自己的算法。“你本不能到达这里，你知道的”是艺术家在网络漫游中发现的一句墙体标语，其真假已经难以辨别，它像是来自先知的一次善意的提醒，暗示着不为人知的秘密以及探知的欲望及危险。不断更新与沉降的网络图像成为艺术家观察及存档现实时空碎片的方式，而此次在Salt Projects的个人项目中，王芮以轻盈而幽默的方式构建了网络世界中自我身份、情感与欲望的物质转化路径，呈现了她基于网络漫游而产生的对于真实世界的全新感知。 继续
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张怡 @ 纽约皇后美术馆，美国
个展 “游移湖 2009-2017” 2017.09.17-2018.02.18 BANK荣幸宣布张怡（Patty Chang）个展“游移湖，2009 - 2017”将于纽约皇后美术馆展出。展览将呈现艺术家迄今为止最为抱负之作——“游移湖（2009 - 2017）”，该项目在宏大的叙事构建中重新定义了艺术家、图像、物件及行为的角色和作用。其中部分选作已于2016上海双年展以及早前艺术家在BANK的个展中首次展出。此次于皇后美术馆的展览结合了影像、摄影、雕塑、一份特别出版物和行为表演，“游移湖”项目将首次以其全貌呈现给观众。展览将于9月17日开幕，并持续至2018年2月18日。 展览的构造旨在重现故事从地理、历史、神学文化、小说及个人经历等方面的复杂发展。这个长达多年的项目部分受启发于19世纪与20世纪交替期探险家斯文·赫定的著书《游移湖》（1938），该书记录了一个位于中国沙漠地区的水体的迁移；与此同时项目还以编年史的方式记录了艺术家父亲的逝世、艺术家本人的孕辰和其儿子的诞生。 继续 -
艺术小组政纯办（PSFO）@深圳华·美术馆
群展 “用我们的红包，还你喜欢的蓝色” 2017.07.16 在政纯办成立12周年之际，本次展览将展出11件（组）作品，除了部分小组经典之作以外，还将呈现近期为深圳创作的一系列新作。这些最新作品基于政纯办对深圳——这一在经济、政治、文化、社会生活方面都具有特殊性的城市的考察和认识，结合小组自身独特视角，通过公众物品收集、实地拍摄、现成品收购等方式，对设计、生产、制造、艺术、生活等关键词进行思考、探讨和社会互动，也是对设计之都深圳30多年发展历程的艺术化总结。 继续 -
海蒂·芙欧特 @ 比利时
群展“它是如此美丽，却又如此脆弱” 2017.06.24-2017.01.10 BANK荣幸宣布海蒂·芙欧特参与的展览“它是如此美丽，却又如此脆弱”将于6月23日在比利时根特的S.M.A.K.美术馆开幕，由Wim Lambrecht策展，展览将持续至10月1日。此次展览的出发点源自Lambrecht对转瞬即逝的艺术形式的兴趣，海蒂·芙欧特展出的作品是其使用中国的色情杂志和建筑材料创作于200“它是如此美丽，却又如此脆弱”8年的综合材料装置作品《全世界开始摇摆》。 展出作品 在作品《全世界开始摇摆》中，海蒂•芙欧特用在上海书报亭发现的色情杂志折叠成日本折纸，形成花束。这些裸体女人的状态作为欲望的符号被作为与之想等同的符号——花朵重新展开，这些彩色花朵被放入由水泥砖块凿出的花瓶中，从而使这种阳刚的建筑材料及其所折射出的中国大规模城市化建设在栖身其中的花朵和艺术家所给予的优美典雅的造型中注入了女性的特质。 关于艺术家 海蒂·芙欧特（1972年出生于比利时），以其前卫、幽默的当代艺术创作被广泛认可。目前主要在欧洲和亚洲开展艺术实践，创作中常使用两地的资源和资料作为其实践的观念素材。其艺术体系可被概括为日常生活和材料的奇妙结合。其作品曾在上海当代艺术博物馆，上海当代艺术馆、杭州纤维艺术三年展，台北IT Park，比利时WIELS当代艺术中心，洛杉矶L&M Arts，和立陶宛当代艺术中心展出。此外，其作品也是上海K11的永久陈列。 继续
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张怡 @ 上海当代艺术博物馆，中国
讲座“再架构” 2017.05.12 上世纪90年代末，第11届上海双年展参展艺术家张怡（Patty Chang）屡次於纽约多间中型剧院作行为展演，并以单频录像记录其行为作品，她亦藉此确立名声。作品中，张怡裸露她的身体，展示其性别和种族，挑战社会风俗和道德标准，质疑西方传统视角人们对亚裔美籍女性的行为规范。艺术家穿着端庄拘谨的上班女性制服，运用食物（哈密瓜和洋葱），活生生的动物（鳗鱼）和液体（水）做出各种动作，完成一幕幕挑战肉体忍耐力的壮举，时刻窥探失落与欲望的分界。 张怡十分注重运用科技保存其作品，这使她有别於其他以忍耐力为本的行为艺术家。在现场展演《喷泉》（1999）时，地面放有一面被浅水覆盖的镜子，她在镜子上跪下，然後用嘴巴吸啜丶咽下地面的水；在演出录像中，她将周遭的环境裁掉，将影像九十度旋转，使自己看似在缓缓深吻自身的倒影。另一部着名录像作品《在爱里爱着》（2001），则以慢动作播放热泪盈眶的张怡与父母亲嘴，但事实上，影片是他们咀嚼一个生洋葱，再用嘴巴来回传递洋葱的倒播片段。 2016年张怡在上海双年展上，展出的是她的作品《游移湖》。当时怀孕的张怡，在乌兹别克斯坦一边挤奶，一边对“流动”进行思考，带着《白鲸记》的忧伤灵魂为抹香鲸洗浴。2017年，张怡为上海带来的是她的最新作品《架构》（Configurations ），一件基于艺术家跟踪“南水北调工程”的旅行作品。“南水北调工程”的中线工程建设了世界上最长的，这条沟渠从汉江中上游的河南南阳淅川丹江口水库到北京郊区的水库。对艺术家来说，她感兴趣的是排尿、高架渠、黄河历史性的洪水，最后到黄河的历史洪灾中，从人体的角度对中国的帝国史进行思考。 这次讲座，艺术家将系统性地介绍她在美国不同年代的作品，从《喷泉》、《在爱里》到《架构》并分享这么多年她对于华人、女性身份的探索与思考。同时，M+视觉文化博物馆策展人姚嘉善（Pauline Yao）将作为讲座嘉宾出席此次讲座，相关文章，请见：姚嘉善 評 张怡 / BANK ARCHIVES 。 与会者介绍 • Patty Chang 张怡 张怡，是一个以表演、录像和装置为创作形式的跨学科艺术家。她曾在纽约现代美术馆，纽约新美术馆，加州大学汉莫美术馆，芝加哥当代艺术博物馆，以及瑞典斯德哥尔摩现代美术馆等艺术机构举办个展。她于2009年获得了柏林美国研究院的视觉艺术奖学金， 2014年获得了古根海姆奖学金。张怡在2016年第11届上海双年展中展出了其最新项目“游移湖”，... 继续 -
PATTY CHANG @威尼斯双年展，威尼斯
威尼斯双年展平行展“海洋档案" 2017.05.09 My Art Guides Venice Meeting Point 于5月9日-12日即威尼斯双年展开幕的四天内在海军官员俱乐部（Arsenale入口处的拐角处）举行。今年，Lightbox总监Mara Sartore 和My Art Guides主编与MAP Office (由Laurent Gutierrez和Valerie Portefaix组成的艺术家组合)合作，选择展出的艺术家。 作为参展艺术家之一的Patty Chang（张怡）将展出其近期项目“Invocation for a Wandering... 继续 -
张怡 @ 第11届上海双年展
上海当代艺术博物馆 2016.11.11-2017.03.12 张怡的影像装置《游移湖》亮相第11届上海双年展“何不再问：正辩，反辩，故事”，本届双年展由Raqs媒体小组（Raqs Media Collective）担任主策展人。 “《游移湖》是一个个人的，关联的，对于哀悼、关怀、地缘政治和景观的叙事冥想。游移湖项目继续了我对文化假象的兴趣。在这项工作中，我回到了用我的身体来表演以及通过表演来体现对环境的探究上。作品用水来作为政治和诗学的媒介。该项目受由斯文·赫定的著作《游移湖》启发。在20世纪初，瑞典探险家斯文·赫定由中国政府委托寻找一个现代丝绸之路，或通过中国西部驾车前往沙漠的路线。同时，他记录了他的旅途发现并标注了游移湖。游移湖神秘地从原来的位置消失，在不同的地方被发现之前就已经被错误的标记和丢失了。令我感兴趣的是：当一个地域移动位置，它的错位如何令人开始质疑那些系统和建立在系统周围的身份。这让我开始考虑不稳定的景观是如何制造镜像和破裂我们的现实，地点和自我。” 继续
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王芮ARTFORUM评论
“王芮：SEE YOU”展评 2016.01.08 文／富源 *原文 于2016年1月8日发布于ARTFORUM中文网 “这少女并不是青春永驻；更多的时候，她甚至不属于女性。她的身影是一个社会分崩离析的总和。”（Tiqqun，《少女理论》） 若说岛屿是一个孤立、乌托邦的形象，那么海滩则是不断被雕塑和社会化的场域。正如A307公寓中王芮“SEE YOU”个展现场，铺满柔软的“沙滩” ，充满了身体和凝视的痕迹。在王芮最新的录像作品《lovelynightfall》（2015）中，一名身着白色网球短服的性感少女在扁平的海滩画面——是的，就是那些触手可及的风光桌面——前摆出各种为人熟知的模特姿势。她时而撩拨健康发亮的短发，时而微微岔开双腿，前后慢步。她的眼神如同American Apparel的软色情广告一样，永远凝视着镜头。她健康的身体呼应着身后完美、虚构的风景，被投影在有风拂过的白色窗帘上，在催人入睡的音乐中，偶尔被扭曲或搅乱。 与现实主义的最后一击《世界的起源》（1896）不同，这少女的形象不再承担任何震动感知的责任，她甚至可以是库尔贝反对的19世纪学院派绘画中完美光滑女性形象的再世。在此，王芮的“See You”正是对于今天崇尚青春和美丽高于一切，进而在现实中不断被深度殖民的女性身体的描述。库尔贝当年那浓烈、甚至粗暴的性欲化的女性形象在今天早已成为普遍现实，日益壮大的色情产业就是再好不过的例子。而“See You”影像中的少女形象则是消费主义的深层诱惑：这少女被赋予了当代生活的自由和多样性，她可以在社交网站Tumblr上展示自己的化妆技巧和进食障碍；她看起来自信十足，可以用同样的眼神来反击男性的凝视和欲望。艺术家可能黯知，这少女的种种个性的表达亦可能最终被应用到消解个体经验的市场策略之中。然而，作品却并非是在进行一种简单的“反讽”工作，而是通过少女的形象唤起一种个人的记忆和更为新鲜的观看体验。 继续 -
张怡 @ 纽约现代艺术博物馆 MoMA ，美国
"漂浮物 / 张怡和大卫·凯利" 2014.03.15-2014.08.10 《漂浮物》拍摄于中国长江三峡大坝， 作品结合了表演，摄影，数字影像，探索了“场地和虚构的交集”。作品的灵感来源广泛：毛主席公开的畅游长江；儒勒·凡尔纳的著作《海底两万里》；中国经济快速发展的新闻报导和西方观念中亚洲的现代化。 作品在纪实和虚构之间徘徊，探索了这一重新安置 100万人口的大坝建设过程中土地和身份之间的关系。 影片详细记述了一艘大型潜艇的制造和发射过程，开始由一小部分当地的演员在长江流域发射潜艇，然后经过水电坝站到达蓄水池。在整个发射旅途中，艺术家们尝试着将不同形式的表演穿插其中，例如在游泳池里的心理治疗部分中对梦境的回叙和在造船厂上演的一部戏剧等。从字面和象征意义上，抽离出潜在的现实。 展览由影像部门助理馆长 Sally Berger 和副馆长 Ron Magliozzi 策划。 继续 -
张怡 @ 纽约 MoMA PS1，美国
群展“Into Me / Out of Me” 2006.06.25-2006.09.25 张怡作品《在爱里》（2001）展出于MoMA PS1于2006年的展览“Into Me / Out of Me ”中。展览呈现了与进入人体、通过人体和离开人体有关的想象、描述和行为表演。此次展出作品跨度40年，参展艺术家/组合超过130个，展览贯穿了自然科学的框架，历史与神话的对峙，仪式感的实践和对自我的探索。 身体一直以来都是许多当代艺术家的关注重点，包括玛丽娜·阿布拉莫维奇，瓦莉·艾丝波尔， 克里斯·伯顿，布鲁斯·瑙曼，卡罗里·施妮曼，奇奇·史密斯和安迪·沃霍尔等，这些艺术家都参加了此次展览。从汉娜·威尔克不屈的自画像、马修·巴尼基于表演的装置，到辛迪·舍曼的超现实摄像照片和卡拉·沃克的美国内战前人物图像，“Into Me / Out of Me”审视 了艺术家们通过充满脆弱与冲击、疾病与痛苦，温柔与暴力的图像 对自我和他人的物理、精神界限进行探索。 在展览的画册文章的第一章节“世代延续 的仪式” 中，策展人... 继续
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